Arte + Design. Spirito, umorismo e WOW

In alcune fredde serate di novembre a New York, migliaia di benestanti intenditori d'arte, collezionisti, galleristi (e il loro staff), interior designer e altri a cui piace un grande cocktail party e splendidi oggetti d'arte, convergono nel Parco Avenue Armory a OMG, OOO e AhAha su opere originali di grande bellezza (e ottimi prezzi) per raccogliere fondi per enti di beneficenza (tra cui la Dia Art Foundation e Planned Parenthood NYC). Ruinart, Goyard, Lalique e InCollect hanno partecipato come sponsor dell'evento.

Cinquantasei galleristi di 11 paesi (inclusi gli USA. Europa, Regno Unito, Germania, Belgio, Francia, Danimarca, Italia, Monaco, Paesi Bassi, Sud Africa, Spagna e Svezia) di 30 gallerie internazionali hanno presentato un approccio globale al modernismo. Il Salone ha esposto (per acquisto e ammirazione) mobili storici, moderni e contemporanei, design originali e arte della fine del XIX e XX secolo.

 Valore dell'economia creativa

Nel 2015 il valore della produzione artistica e culturale negli Stati Uniti è stato di 763.6 miliardi di dollari, pari al 4.2% del prodotto interno lordo. Le arti hanno contribuito all'economia nazionale più delle industrie di costruzione, estrazione mineraria, assicurazioni, alloggi e servizi di ristorazione.

• Gli artisti creativi sono una risorsa economica negli Stati Uniti e nel 2015, grazie agli artisti, gli Stati Uniti avevano un surplus commerciale di 20 miliardi di dollari in arti e beni culturali (l'America ha esportato 63.6 miliardi di dollari e importato 42.6 miliardi di dollari di arte e cultura).

 

• I consumatori dell'economia creativa spendono oltre 102.5 miliardi di dollari in arte, inclusi beni e servizi, biglietti d'ingresso, cibo, alloggio e regali (2017).

 

• Il settore artistico e culturale fornisce un gran numero di posti di lavoro (4.9 milioni nel 2015), rappresentando il 3% di tutti i posti di lavoro negli Stati Uniti, che, collettivamente, hanno pagato ai lavoratori 372 miliardi di dollari.

Stati prosperano dalle arti

Tra gli stati, le arti rappresentano la quota maggiore dell'economia di Washington, il 7.9% o 35.6 miliardi di dollari. Basandosi sull'industria cinematografica e televisiva, l'economia artistica della California offre la maggior parte dei soldi tra gli stati, con $ 174.6 miliardi (7%).

New York è al secondo posto in entrambe le categorie, con le arti che portano $ 114.1 miliardi (7.8%) all'economia. I 462,584 lavoratori artistici dello stato hanno guadagnato 46.7 miliardi di dollari collettivi (2015).

Il Delaware fa il minimo affidamento sulle arti, che costituiscono solo l'1.3% dell'economia dello stato, ovvero 900 milioni di dollari.

L'evento: The Salon Art + Design Show

Poiché molti artisti presentano i loro lavori più recenti a questo evento, appare in cima alla lista delle "cose ​​da fare" nel mondo dell'arte. Mi sarebbe piaciuto acquistare quasi tutti i pezzi esposti, ma il tempo, lo spazio e le risorse limitate vieta questa attività; tuttavia, posso consigliare "alcune delle mie cose preferite".

Selezione curata

1. Molly Hatch. Studio Todd Merrill & Associates. New York

Molly Hatch porta il WOW nell'arte contemporanea. Ha trasformato quello che era stato un cliché (piatti dipinti a muro popolari negli anni '1940) e ha trasformato il concetto in opere d'arte da collezione che si adattano allo stile di vita millenario (mobile, libero e mutevole).

I piatti appesi erano un modo tradizionale di mostrare stoviglie decorative e hanno fatto parte di molte culture dall'Europa all'Asia. Secoli fa, le elaborate esposizioni di piatti in una casa erano un segno di ricchezza e di alto status sociale.

Oggi, Hatch progetta i suoi piatti da appendere alle pareti in modo che possano essere osservati e ammirati. Il suo palato sovradimensionato e basato sul colore incoraggia gli spettatori a riconsiderare ciò che è nuovo e ciò che è ora; ciò che era ordinario ora è straordinario.

Hatch è nata nel 1978. Sua madre era una pittrice e suo padre, un produttore di latte biologico. Ha studiato disegno e ceramica, ottenendo il suo BFA presso la Museum School di Boston, MA. Dopo il college ha lavorato con la ceramista Miranda Thomas nel Vermont e le residenze in ceramica sono continuate negli Stati Uniti e nelle Indie occidentali. Il suo MFA in ceramica è presso l'Università del Colorado, Boulder. Nel 2009 le è stata conferita la residenza artistica / industriale in ceramica presso il John Michael Kohler Arts Center in Wisconsin.

Hatch attualmente lavora dal suo studio di casa a Northampton, MA. Oltre alla ceramica, è scrittrice, artista-designer e crea modelli di stoffa, mobili, gioielli, stampe, disegni a penna e inchiostro e dipinti. Si ispira alle tendenze storiche in materia di tessuti, caratteri, ceramiche e mobili, riconoscendo uno stile di vita contemporaneo che include cenni all'hip-hop, testi di canzoni indie, messaggi di testo e colloqui raccolti.

2. Hubert Le Gall. Galleria del ventunesimo secolo

 

Il designer francese Hubert Le Gall è nato a Lione nel 1961. Si è laureato in management al college e dopo la laurea si è trasferito a Parigi (1983). Nel 1988 ha iniziato a dipingere e scolpire, progettando mobili che fossero chiavi di confine, collegando la poetica e la fantasia con il funzionale.

Si ispira a ciò che è surreale ma con sussurri (e grida) alle civiltà greca e romana, al XVIII secolo francese, ai periodi dell'Impero, dell'Art Nouveau e dell'Art Déco. È stato anche ispirato da Salvador Dalì, Jean Cocteau, i surrealisti e Max Ernst.

Il suo lavoro ha ottenuto il plauso internazionale nel 1995 quando è stato scoperto e promosso dalla gallerista Elisabeth Delacarte. La sua prima mostra è stata alla Galerie Avant-Scene parigina e le opere esposte (compresi i tavoli con margherite e le cassettiere floreali) sono diventate apprezzate come i suoi pezzi distintivi.

3. Rich Mnisi. Sud Africa

 

Rich Mnisi, nato sudafricano, ha iniziato la sua impresa nel 2014. È noto come leader nella scienza della moda e riconosciuto come l'Africa Fashion International Young Designer of the Year (2014).

La seducente chaise in pelle di Mnisi prende la forma di Nwa-Mulamula (The Guardian) che rappresenta la presenza della sua bisnonna. Sono la sua esistenza e i suoi insegnamenti che durano per sempre attraverso la narrazione, generazione dopo generazione. Lo sgabello, a forma di occhio con pozzanghere d'oro, ”… rappresenta le sue lacrime, mai vane. Senza il suo dolore e le sue esperienze, non esisterei. Non potrei essere la persona che sono oggi ”(Rich Mnisi).

Le forme sensuali sono senza tempo e la loro essenza è unicamente africana pur essendo universalmente affascinante.

4. Reinaldo Sanguino. Galleria futura perfetta. Città di New York.

 

Reinaldo Sanguino è nato in Venezuela e attualmente lavora a New York City. I suoi pezzi d'arte e ceramica rendono omaggio alla vivacità del suo ambiente e ogni pezzo unico utilizza il mezzo dell'argilla sia come struttura che come tela.

Sanguino si è laureato alla School of Visual Arts Cristobal Rojas di Caracas, in Venezuela. Ha sviluppato la sua tecnica basata sul suo interesse per la porcellana di Meissen e la sua importanza nella storia europea. È ispirato e influenzato dalla pittura in stile graffiti e il suo lavoro attira l'attenzione a causa dei colori vivaci, delle trame e dei materiali malleabili.

Nel 2007 è stato nominato per il Louis Comfort Tiffany Biennial Award e uno degli artisti partecipanti alla 5a edizione della Biennale 2007-2008 di El Museo Del Barrio, “the (S) Files” a New York City.

Le opere di Sanguino sono state esposte alla Sultan Gallery, nell'ambito del Dean Project New York; il Museum of Arts & Design, New York; il Museum of Fine Arts, Houston, Texas; il MINT Museum di Charlotte, North Carolina e il Minneapolis Institute of Arts, Minneapolis, Minnesota. Ha debuttato a Design Miami / con The Future Perfect (2017).

5. Pamela Sabroso e Alison Siegel. Galleria Heller. New York

Pamela Sabroso ha conseguito il BFA in Crafts and Material Studies presso la Virginia Commonwealth University (2007) e Alison Siegel si è laureata in Belle Arti presso la Alfred University (2009). Attualmente vivono e lavorano a Brooklyn, New York.

Hanno iniziato a lavorare insieme nel 2014 scoprendo che le loro idee emergono e si fondono attraverso disegni, discussioni e la fisicità del lavorare insieme. Insieme sono avventurosi e apportano una nuova qualità fresca e unica a ogni oggetto che creano. I lavori finali sono divertenti, intelligenti, animati, non convenzionali e accattivanti. Sicuramente lavorando nel 21 ° secolo, condividono una libertà creativa che ha le sue radici nel primo movimento americano Studio Glass.

Il lavoro laborioso parte dalla realizzazione di parti e stampi in cera per soffiare il vetro e si estende alla soffiatura del vetro. Sabroso, parlando del suo lavoro con Siegel, “… per essere creativo devi permetterti di essere vulnerabile. Quando sei onesto su chi sei, riveli una prospettiva unica e strana. Le nostre creazioni combinate sono Stranger Together ".

6. Frank Lloyd Wright. Bernard Goldberg Belle Arti. New York

Wright è nato a Richland Center, Wisconsin (1867). Durante i suoi 70 anni di carriera come architetto, Wright ha creato oltre 1100 progetti. Sebbene entrò all'Università del Wisconsin (1885) e studiò ingegneria civile, divenne presto insoddisfatto di questo campo. Quando ha lavorato per Joseph Silsbee alla costruzione della Unity Chapel, ha realizzato la sua passione per l'architettura così si è trasferito a Chicago e ha lavorato come apprendista con lo studio di architettura di Adler e Sullivan, lavorando direttamente con Louis Sullivan (1893).

Si è poi trasferito a Oak Park, Illinois e ha iniziato a lavorare dal suo studio di casa dove ha sviluppato un sistema di design sviluppato da unità a griglia con un focus sui materiali naturali che divenne noto come Prairie School of Architecture.

Durante gli anni '1920 e '1930 trascorse il suo tempo insegnando e scrivendo. Nel 1935 iniziò a lavorare a Fallingwater, il suo progetto residenziale più celebre. Negli anni Quaranta - Cinquanta si concentrò sui progetti usoniani che riflettevano la sua fede nell'architettura democratica, offrendo opzioni residenziali di classe media.

Nel 1943 progetta il Solomon R. Guggenheim Museum di New York. Il museo è stato inaugurato nel 1959, sei mesi dopo la sua morte ed è considerato la sua opera più significativa.

La Bernard Goldberg Fine Arts Gallery di New York è stata fondata nel 1998 da un avvocato di New York. Oggi la galleria è specializzata in arte americana (1900-1950), tra cui dipinti, sculture e opere su carta di Ashcan, modernisti, realisti urbani, realisti sociali e regionalisti.

L'Hoi Polloi presente all'evento

 

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© Dr. Elinor Garely. Questo articolo protetto da copyright, comprese le foto, non può essere riprodotto senza il permesso scritto dell'autore.